전  시  명     오수환 개인전 <대화 Dialogue>

장      소     가나아트센터 1, 2, 3관 (서울시 종로구 평창30길 28)

주      관     가나아트

일      시       2018. 6. 20 (수) – 7.15 (일) (총 26일간)

오  프  닝       2018. 6. 20 (수) 오후 5시 

출품  작품     평면 작품 30여 점  

오수환(b.1946~)은 1969년 서울대학교 미술대학 회화과를 졸업하며 작가의 길을 걸었다. 1970년대 초, 작업 초창기에는 미당 서정주(徐廷柱)의 시화전에 새 그림을 그려 주거나 문학 잡지나 신문에 수록될 삽화를 제작하는 등 구상적인 화풍의 그림을 시도하기도 했다. 그러나 1975년을 전후로, 어떤 규범에 얽매이기를 거부한 작가는 사물의 모방이라는 형식적 제약에서 벗어나 추상으로 전환하였다. 

1980∙90년대의 <곡신>연작부터 2000년대의 <적막>, <변화>연작에 이르는 작업들은 작가가 지난 40여년 동안 추상 화면에 몰두해 왔음을 여실히 보여준다. 이들 연작 속에 드러난 대담한 붓질과 여백, 그리고 자유로운 색채는 존재 본연의 모습을 탐색하는 작가의 오랜 수행의 흔적에 다름아니다. 작가는 실존철학, 현상학, 노장장〮자사상, 한학 등 동ᆞ서양을 아우르는 철학적 사유를 바탕으로, 모든 만물의 근원이란 결국 아무것도 정의되지 않은 무(無)의 상태와 다름없다는 인식에 도달하였고, 이를 추상이라는 조형 언어로 제시하였다. 오수환의 작업은 시원(始原)을 향한 끝없는 자기 성찰의 회화적 실천이라는 점에서 추상 형식의 순수성에 집중했던 모더니즘 미학강령과는 다른 차원의 의미를 갖는다. 

Dialogue, 2018, Oil on canvas, 193.8x130.2cm

무(無)의 이재(理在), 이로부터 성찰이 나온다.

-작가노트-

가나아트는 이번 전시에서 오수환의 <대화> 연작 중 2016년 이후 제작된 신작 30여 점을 선보인다. <대화> 연작은 절제된 색의 사용이 두드러진 이전 작업과 달리, 색채감이 돋보인다. 작가는 바닥에 캔버스를 깔고 형형색색의 물감이 발린 붓으로 자유분방한 필획을 구사하거나, 물감이 칠해진 캔버스 위에 또 다른 색을 한번 더 덧칠하여 켜켜이 쌓아 올린 색채의 층위를 구현하기도 했다. 이러한 색채-기호로 이루어진 추상적 화면은 무(無)의 세계의 시각적 현시(顯示)이다. 오수환은 인간의 본성과 사물의 시원(始原)이 결국 아무것도 정의되지 않은 텅 빈 세계와 같다는 믿음 아래, 그 세계를 추상적 시각 언어로 풀어냈다.

나의 회화에서 규정된 것, 확정적인 것, 부동의 진리는 부인된다. 생각하거나 계획하지 않으며, 추구 하지 않는 상태에서, 의도가 없는 상태에서, 새롭게 언어화하고 고유한 경험으로 파악하여 보여 주고자 한다. […] 그렇게 궁극적으로 실현된 회화는 그 어떤 목적성도 없다. 거기에는 이데올로기나 연상작용이나 그 어떠한 것도 틈입할 수 없는, 엉뚱함, 확장, 수축의 비설명적 순수회화가 있을 뿐이다. 

-작가노트-

한편, 추상의 조형만으로 이루어진 화면에는 붓자국과 색채라는 형식적인 특징은 드러나지만, 그 안에서 어떤 의미를 읽어내기란 어렵다. 표면에 흘러내리는 물감에 의해 만들어진 형상과 형식에 구애 받지 않은 필선은 작가의 행위만을 떠오르게 할 뿐 그 어떤 것도 지칭하지 않는다. 작가의 몸짓 또한 그 어떤 의도와 목적 없이 우연적으로 이뤄진다는 점에서 오수환의 그림은 인위성을 최대한 배제한 무위(無爲) 그 자체다.

Dialogue, 2018, Oil on canvas, 227x182cm

<대화> 연작은 이전 작업인 <적막> 연작의 연장선상에 있는 작업이다. <적막> 연작에서 이질적인 두 화면을 배치시켜 대치를 이루게 함으로써 ‘침묵’을 드러냈다면, 이번 <대화> 연작은 색채와 기호가 어우러져 묻고 답하는 것, 다시 말해 ‘교감’이 주제로 등장한다. 작가는 작품에서 자연과 고대문명 그리고 인간을 대화의 상대로 삼았다. 이를 담기 위해 오수환은 오롯이 무형의 추상과 색채만으로 화면을 꾸몄다. 작가에게 자연은 언어와 문자로 정의될 수 없는 근원 그 자체이며, 고대 문명은 동굴 벽화나 기원전 유물에서 반복되어 나타나는 선과 같이 원초적인 것이다. 작가는 무형의 자연과 과거의 문명, 인간의 심연을 감각적으로 드러내고자 선적인 추상 기호를 중첩하고, 원색의 화려한 색채를 겹겹이 발랐다. 이렇게 완성된 화폭에 대해 작가는 ‘살아있는 그림’이라고 표현하며 감각적으로 소통하는, 즉 ‘대화’할 수 있는 추상화를 완성하고자 했다.  

나에게 그림이란 세계를 보는 일에 도움을 주는 것이다[…] 세계에 관해서 또는 세계에 있어서 보다 많은 것을 보도록 사람들을 인도하는 것이다. 근원적 사실에 하나씩 인도하는 것이다.

-작가노트-

이러한 오수환의 작업은 궁극적으로 관람객과의 대화를 향해 있다. 작가는 온갖 욕망의 범람으로 황폐해진 현대인들이 그의 작품을 감상하는 순간, 규범으로부터 자유롭게, 해방되기를 원한다. 그림의 의미를 해석하고, 형태를 찾기 위해 파고드는 것이 아닌, 마치 대화하듯 작품과 감각적으로 소통하길 기대한다. 작가는 이를 통해 자연을 느끼고, 지나간 과거의 시간을 경험하는 등 잠깐의 여유를 주고자 하는 것이다. 

Dialogue, 2018, Oil on canvas, 291x197cm

권영진(미술사학자)

잠실역에서 멀지않은 타워730 빌딩의 로비에 가면 오수환의 멋진 추상회화 두 점을 볼 수 있다. 흰 바탕에 3-4회씩 단선적으로 내리그은 청색의 붓터치가 삼삼오오 비상하는 새처럼 리듬감을 이루는 화폭과 선명한 노란색 바탕에 검은 필선이 초서(草書)처럼 역동적으로 펼쳐진 대형 캔버스 두 점이 로비의 시원스런 양 벽을 압도하고 있다. 최근에 신축한 초현대식 건물에 필획(筆劃)의 추상회화가 이처럼 잘 어울릴 수 있다니, 건물을 드나드는 누구나 그리 어렵지 않게 화가가 선사하는 역동적인 기운을 마음껏 누릴 수 있다니, 추상은 역시 보편적인 언어임을 되새기게 된다. 

1980년대 이후 ‘곡신(谷神 God of Valley)’, ‘변화(變化, Variation)’, ‘대화(對話, Dialogue)’, ‘적막(寂寞, Tranquility)’ 등의 제목으로 선보이는 40여년 오수환의 화업은 지속적인 추상에의 탐색이라 할 수 있다. 1946년 경남 진주에서 태어나 1969년 서울대학교 회화과를 졸업한 오수환은 실존철학과 현상학, 구조주의, 기호학 등 20세기 후반의 철학적 사유를 섭렵했을 뿐만 아니라 노자, 장자 등의 동양 사상, 한학에 두루 밝아 전후(戰後) 동서양의 양대 지성이 교차하는 접점에 그의 좌표를 두고 있다고 할 것이다. 어려서 부친에게 배운 서예와 대학 입학 이후 전공으로 탐색한 서구 모더니즘의 미학이 혼융되는 지점에서 그의 추상 회화가 발아하여 번성한 것으로 볼 수 있는데, 흔히들 ‘동서양의 결합’이라 정의하는 일반적인 수사로는 그의 화업을 설명하기에 충분치 않다. 오랜 세월 무수한 회화적 실천으로 그것을 실행에 옮긴 그의 작품이 말없이 그 자체로 작가의 자기 발견과 자기 확신을 우리 눈앞에 펼쳐 보여주고 있기에, 관객 역시 말없이 그의 작품을 눈으로 보고 즐기는 것이 그의 화업에 대한 적절한 화답이 될 것이다. 

오수환은 “예술은 화합의 도구이자 공감의 도구”라고 정의한다. 딱히 사회적 참여를 말하지 않더라도 예술은 “공감으로 인하여 사회적이며, 예술은 자신의 자립적 발산으로 현실적 사회의 변형에 힘을 기울인다”고 설명한다. 나아가 “창조력을 키워주는 것은 예술가의 개인적인 경험이며, 그렇게 예술의 미적 완성은 도덕적 완성과 뒤섞인다”고 밝힌다. 

대형 화면에 힘차고 대담한 붓질로 상징적 기호들을 남기는 그의 추상회화는 대략 1980년대 중반부터 구체화된 것으로 보이는데, 이후 40여년 꾸준히 이어지는 그의 추상회화는 성마르게 사회적 변혁을 좇기보다 성실한 예술적 실천으로 확고한 자기 완성을 추구하며 그것으로 사회와 세계에의 기여를 구현하겠다는 의지를 드러내고 있다. 철저한 예술적 실천으로 자기의 발견과 자아의 완성을 구현하며 그것으로 궁극의 사회 변형에 닿기 위해서, 그는 동서양의 여러 지성에서 자양분을 흡수하고 오래도록 변함없는 추진력을 공급받은 것으로 보인다. 

“토끼가 뛰는 순간 솔개가 순식간에 덮치듯” 즉흥적으로 그려낸 그의 화폭은 응축된 에너지를 발산하지만, 그러한 순간적 발산은 오랜 숙고와 내적 성찰 끝에 나오는 것이기에 그의 화폭은 누구도 쉽게 공감하고 즐길 수 있는 완숙한 화면으로 귀결된다. 작가의 주변에는 시적 감흥과 철학적 논평으로 그의 화업에 대한 상찬을 헌정하는 문인들이 줄을 잇는데, 딱히 20세기 모더니즘 형식주의의 현학적인 미술 비평 이론을 들먹이지 않더라도 그의 추상회화가 정선된 예술적 성취로 폭넓은 공감을 얻고 있다는 사실을 입증한다. 

오수환이 미술대학에 입학하고 예술가의 길을 모색하던 1960년대는 전후(戰後) 추상의 미학이 한국 미술계에도 당위로 부과된 시대였다. 전전(戰前)의 기하추상과 전후의 앵포르멜 미학이 혼재하는 가운데 ‘전위’와 ‘현대성’의 담론이 ‘추상’을 시대의 과제로 견인했고, 한국의 청년 미술가들은 그러한 추상의 미학을 습득하기 위해 노력했다. 서구의 추상은 오랜 재현 회화의 역사에 대한 도전이자 새로운 시대를 개척하는 전위의 정신으로 추동된 반면, 견고한 재현 회화의 역사를 갖지 못한 전후 한국미술에서 추상은 길항작용을 이룰만한 탄탄한 재현 화풍이 자리 잡지도 못했기에 그에 대한 반작용 또한 뚜렷하지 못했거니와 18세기 이래 최고조로 승격된 순수예술의 미학적 담론도 어느 정도 낯선 개념이었다. 그러나 철저한 개인적 성찰로 예술적 성취를 이룩하며 그것으로 보편적 미학을 이룩한다는 서구의 근대식 ‘순수예술’의 개념은 한국 미술가들이 공감하기에도 충분한 이상이었다고 할 수 있다.

 

근대적 사회의 건설과 그 안에서 개인적 성찰로 고유한 미학적 성취를 이룰 수 있다는 ‘순수예술’의 개념은 동아시아의 전통적인 서화와는 다른 ‘미술’의 경로를 설정하지만, 유교적 문인 예술가의 개념과도 일맥상통하는 지점이 있어 후발 산업국가 한국의 청년 예술가들에게 어렵지 않게 공감을 얻을 수 있었다. 전후 ‘추상’을 근대화된 예술의 과업으로 설정한 청년 미술가들에게 모더니스트 미술의 엄격하고 절제된 미학은 당대 세계 예술계의 흐름에 동참하면서 새로운 근대적 미술을 수립할 수 있는 합당한 과제로 수용되었다. 

전후 세계 미술계에 막강한 영향력을 발휘한 미국의 형식주의 모더니즘 미술은 정교하고 치밀한 미학적 논의를 바탕으로 하고 있었다. 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg, 1909- 1994)와 마이클 프리드(Michael Fried 1939- ) 등에서 정점을 이룬 형식주의 모더니즘 비평은 대형 캔버스에 영웅적인 붓질로 순수예술의 자율성과 자유로운 창조자, 미의 보편적 법칙을 시연하는 당대 회화 작품들을 미학적으로 지탱했다. 세상의 다른 무엇도 참조하지 않고 회화 그 자체로 존재하는 자율적인 예술, 자유롭게 내면을 성찰하며 자아를 펼쳐 보이는 예술가라는 개념은 비서구권 미술가들을 매료시키기에도 충분했다. 

Dialogue, 2017, Oil on canvas, 193.8x130.2cm

그러나 보편적 미학을 내세운 서구의 추상이 일정한 문화적 산물이며, 서구 중심주의의 편견을 내재하고 있다는 문화 정치적 비판이 뒤따르면서 20세기 말 들어 그린버그식 형식주의는 재고의 대상이 되었다. 교조적 단계에 이른 그린버그의 형식주의 비평은 포스트모더니즘의 비판과 함께 수명을 다하여 해체된 것으로 보지만, 순수한 형식에 집중한 모더니스트 미술 비평은 2000년대 이후 미술 혹은 확장된 시각문화의 포스트-매체 분석을 위한 출발점으로 재조명할 필요가 있다. 어찌 보면 20세 후반의 형식주의 비평의 부상과 뒤이은 몰락은 동일한 문화 정치적 구도에서 전개되었지만, 미술이 일정한 제도적 산물로 작동되는 한 미술의 ‘매체’에 대한 탐구와 논의는 여전히 유효하다고 할 수 있다. 

‘우리는 결코 모던한 적이 없었다’는 반성적 회고 속에, ‘미술’이 무엇인지를 묻는 질문은 그것이 일정한 매체를 매개로 한다는 사실을 지속적으로 환기시킨다. 즉, 회화 평면 너머로 그 무엇을 찾는 노력, 이를테면 선험적 진리나 보편을 가장한 일정한 의미 체계를 지시하는 것은 당연시 할 수 없지만, 미술을 포함한 예술이 인류 문화가 만들어낸 제도적 장치로 번성하는 동안 그 전후의 문맥을 연계하여 발전하는 매체의 계보는 유효하다는 것이다. 교조적 형식주의의 편견은 탈각시키되, 모더니즘 비평의 중요한 토대였던 매체에 대한 주목은 회화 이후에 새롭게 등장한 사진, 영상, 디지털 이미지 등을 이해하고 활용하는 데에도 동일하게 적용될 수 있다. 형식과 매체에 대한 주목은 미술 밖 사회적 참여로 내달은 정치적 비판 미술과 다시 내용을 담기 시작한 동시대 미술에서 여전히 점검하고 검토해야 할 미술의 최저점이 된다. 

1970년대를 풍미한 단색조 회화와 여기에 대항하여 예술의 사회적 기여를 강조한 1980년대의 민중미술, 그리고 전자 매체의 등장으로 뉴미디어 아트의 도래를 알린 1990년대를 지나 다시 매체 본연의 속성을 되새기는 2000년대 포스트-매체론의 시대에 40여년 충직한 오수환의 추상회화를 다시 보는 것은 각별한 의미를 갖는다. 디지털 기술은 창작과 복제의 구분을 무효화하는 포스트-프로덕션의 시대를 열었지만, 사진과 영상, 디지털 그래픽 등 새로운 미디어도 매체 자체에 대한 숙고가 없다면 예술로서의 근거를 찾을 수 없다. 디지털 기술과 컴퓨터 프로그래밍의 도입으로 회화는 일견 위기에 처했지만 뉴미디어 역시 매체 본연의 의미를 점검할 필요가 있고 그 과정에 회화 매체의 순수성을 탐색한 모더니스트 미술 비평은 피해갈 수 없는 구조적 틀을 제시한다. 기술 혁신은 전적으로 새로운 이미지의 제작과 소통을 기약하기보다, 과거 시각 매체에 대한 참조와 전통적인 매체에 대한 연계로 미술의 역사적 계보를 잇는다. ‘매체는 기억’이며, 과거 매체에 대한 ‘재매개’로 작동된다는 논평은 포스트-매체론이 도달한 복고적 결론이다. 

최근 단색화를 비롯한 추상 미술에 대한 관심이 새롭게 부상하는 것 또한 이러한 맥락에서 이해할 수 있는데, 단색화가 한국적 전통을 강조하며 집단적 양상을 띤 반면, 40여 년간 조용히 그러나 치열하게 전개된 오수환의 화업은 작가의 사적 완성에 온전히 집중한다는 점에서 추상 본연의 의미에 밀착해 있다. 그가 회화의 평면 매체를 지속적으로 확인하는 방법은 무엇보다 화면 위에 작가의 행위의 흔적을 남기는 필획에 방점을 두고 있다. 그의 ‘선(線)’은 전통적 의미의 서예에서 기원을 찾거나 한국미의 특성을 발현한 것으로 보기보다 회화 평면의 실재를 확인하는 행위의 흔적이라는 점에서 의미를 찾아야 한다. 

서구의 오랜 회화의 전통에서 회화는 세상을 향한 창이었으며, 화면 위에 재현된 이미지가 대상의 실재를 표상하는 가운데 회화 매체는 투명하게 사라졌다는 지적은 모더니스트 미술이 화면 위 대상보다 회화 매체 그 자체를 뚜렷하게 드러내면서 처음 각인되었다. 투명한 창인 회화 평면을 사이에 두고 재현된 대상과 그것을 시각적으로 인지하는 주체의 관계를 기본으로 삼는 것이 오랜 서양 회화의 전통이었다면, 모더니스트 회화는 그것을 회화 평면과 주체의 관계로 전환했다는 점에서 새로운 시대를 의미했다. 

한편으로 디지털 미디어가 급속히 발전하고 있지만 전통적인 미디어건 새로운 미디어건 일정한 매체를 매개로 하여 세상을 접하고 경험을 전달한다는 점에서 동일한 구조를 따르고 있다. 서구의 전통 회화에서, 선형 원근법과 붓자국을 남기지 않는 매끈한 유화 기법의 도움을 받은 회화는 세상을 향한 투명한 창이 되고 관람자는 그 창 너머의 공간을 시각적으로 통제하는 데카르트적 주체가 된다. 원근법으로 묘사된 공간은 화면 속 공간과 관람자의 실제공간을 연속체로 가정하며 정밀한 묘사로 화면에 표상된 사물을 현전 속에 놓으려 했다. 이때 화면에 붓자국을 남기지 않는 정교한 유화 기법은 회화의 실체를 지우는 기능을 했다. 그리고 화가의 실존 역시 시각적 대상의 현전을 위해 거부된다. 그러나 모더니스트 회화는 그러한 시각적 투사를 거부하고 회화의 매체적 실재성을 드러내는 방법으로 회화 매체를 마주하고 있는 주체를 선명하게 부각시켰다. 

회화의 매체적 실재성을 드러내는 방법은 몇 가지가 있는데, 전전의 추상이 명징한 지적 사유를 기하학적 형상으로 정의하며 그것으로 일체의 재현적 묘사를 대체했다면, 전후의 표현적 추상은 회화 표면의 마티에르를 부각시키는 방법으로 대상의 재현을 차단했다. 오수환의 방법은 이 두 가지 모두에서 벗어난다. 회화 표면의 실체를 분명하게 드러내지만, 수학적 사유를 가시화하지도 않고, 표면의 마티에르가 두드러지지도 않는다. 그 대신 역동적인 필획으로 화면 위에 행위의 흔적을 선명하게 남긴다. 행위의 흔적으로 회화의 평면적 실체는 뚜렷하게 인지되고, 주체와 대상의 관계에서 주체와 매체의 관계로 전환된 모더니스트 회화의 요건은 분명하게 발현된다. 서구의 재현 회화가 ‘나는 생각한다. 고로 존재한다’에 대한 시각적 인식론을 ‘나는 본다. 고로 존재한다’로 주장한다면, 모더니스트 회화는 ‘나는 그린다. 고로 존재한다’의 실존적 자각으로 전환시킨다. 오수환은 40여 년간 행위를 반복했지만, 화폭 위에 의미 없는 행위를 반복하지 않으면서 회화 매체의 실체를 반복적으로 확인한다. 냉정한 이성적 사유로 정신의 우위를 주장하지도 않고, 작가의 몸과 신체의 기운을 강조하되 어둡고 저항적인 물성이 아닌 살아 움직이는 생동감과 폭발하는 역동성으로 뚜렷한 행위의 흔적을 남기고 그것으로 작가의 존재를 확인한다. 

Dialogue, 2018, Oil on canvas, 116.8x91cm

그는 회화 표면을 마주함으로써 자신의 존재를 본다. 원근법 회화가 대상에 대한 지배와 통제를 위해 그림 그리는 주체를 지운다면, 오수환의 추상회화는 그러한 시각적 지배를 자신을 향해 돌림으로써 그리는 주체를 강하게 드러낸다. 전통적인 재현회화가 붓질의 흔적을 지워 화면 너머의 그 무엇을 보게 한다면, 추상회화는 캔버스에 물감을 칠하는 화폭의 직접적인 경험, 그것의 진정성으로 화가의 존재를 선명하게 각인시킨다. 그리고 그것을 보는 관객 또한 화면에 남은 흔적을 통해 작가가 느낀 생의 약동을 함께 느낀다. 

이러한 추상의 매커니즘은 그린버그식 형식주의 비평이 아니더라도 자주 추상의 동양기원론의 형태로 여러 작가들에게 나타났지만, 오수환의 추상 화업 40년을 ‘한국적 추상’이나 ‘동양적 추상’으로 설명하는 것은 그다지 적합하지 않다. 모더니스트 회화로의 전환과 동양 사상을 관통하는 접점을 지속적인 회화적 실행으로 옮기는 오수환의 화업은 회화 매체의 발견과 그를 통한 자아의 실현이라는 점을 일관되게 구현하고 있기에 그냥 ‘추상’이라고 보는 것이 옳을 것이다. 더욱이 그는 집단과 그룹의 생리에서 벗어나 철저하게 개인적 수행으로 추상을 실현했으며, 사회적 발언에서 벗어나 자아에 집중함으로써 추상에 매진했다. 섣불리 한국적인 것, 동양적인 것을 역설하지도 않는다. 일체의 정치적 의도에서 분리된 그의 40년 화업은 오롯이 개인과 자아의 구현에 집중된 것이었으며, 회화 평면과 마주한 예술적 실천으로 일관하고 있다. 회화가 다른 어떤 것을 지칭하거나 표상하지 않고, 그 자체의 존재 요건을 드러내며, 그러한 요건에 직면한 화가를 온전히 보여주는 것, 그것이 오수환의 작업이다. 그가 이처럼 철저한 추상의 길로 일관할 수 있었던 것은 아마도 가나아트와의 오랜 인연이 있었기에 가능하지 않았을까 추정한다. 그의 추상은 ‘이것이 회화다’의 선언이며, ‘나는 그린다’의 실행이다. 그 외 다른 어떤 수식어도 필요치 않는 그의 그림은 매우 추상적이다. 

그의 회화는 최고조의 모던 예술이며, 개인의 치열한 자아실현이자 온전한 자기 집중으로 예술의 과제를 실행에 옮기며, 그것으로 관객과의 직접적인 소통과 공감을 이루며 나아가 사회적 변혁을 이끌고자 한다. 모던 예술에서 경험의 진정성은 캔버스에 물감을 칠하는 과정으로 드러난다. 회화 매체 최저점에 대한 확인 그것의 반복적 검증, 40여년의 치열한 싸움, 오수환의 회화는 그것의 실행이고, 그 과정에 화가의 존재를 선연하게 확인한다. 그것이 몹시 외롭고 고단하지만 그만큼 깊은 기쁨이기에 그의 화폭 앞에 선 관객들은 작가의 예술적 행위를 추체험하며 사회적 공감을 이룬다. 회화가 세계에 대한 선험적 진리나 대상을 표상하는 것이 아니라 그 자체를 표상하고, 그러한 회화 매체와의 만남으로 우리는 인간 본연의 모습을 발견한다. 그의 추상회화는 다른 어떤 것도 표상하지 않고 회화 매체의 실재성에 주목하여 실재 그 자체로 존재하는 회화다. 그의 회화가 세상이며, 그것을 마주한 화가의 존재 확인이다. 그리고 그 결과물을 보는 관객 또한 기쁘게 자신의 존재를 확인한다. 이러한 회화를 선사하는 오수환, 그는 추상화가다. 

Dialogue, 2016-2017, Oil on canvas, 145.3x112cm

오 수 환 吳受桓 b. 1946-

학 력

1969 서울대학교 미술대학 회화과 졸업

주요 개인전

2018 가나아트센터, 서울

2016 인사아트센터, 서울

2013 인사아트센터, 서울

2012 김종영미술관, 서울

2011 가나아트부산, 부산

2010 가나아트뉴욕, 뉴욕

2009 가나아트센터, 서울

2008 아트사이드, 베이징

가나아트센터, 서울

2007 리씨갤러리, 서울

2006 갤러리 매그, 파리

2005 가나아트센터, 서울

2004 가나아트센터, 서울

2003 표갤러리, 서울

2002 갤러리 매그, 바르셀로나

가나아트센터, 서울

이현갤러리, 대구

2001 갤러리 가나-보부르, 파리

2000 수가아트스페이스, 부산

1999 가나아트센터, 서울

1998 갤러리 가나-보부르, 파리

1997 아키라 이케다 갤러리, 나고야

갤러리 가나-보부르, 파리

1995 가나화랑, 서울

1994 가나화랑, 서울

1992 웨터링 갤러리, 스톡홀름

콘러트 브라운 갤러리, 런던

토마스 시갈 갤러리, 보스턴

가나화랑, 서울

1990 갤러리 부산, 부산

아나갤러리, 서울

1987 두손갤러리, 서울

1979 미술회관, 서울

1977 문헌화랑, 서울

Dialogue, 2018, Oil on canvas, 101x100cm

주요 단체전

     2018 비우다,  SA+ 서울옥션 홍콩, 홍콩

2017 장욱진 탄생 100주년: 인사동 라인에 서다, 인사아트센터, 서울

2015 물성을 넘어, 여백의 세계를 찾아서: 한국현대미술의 눈과 정신   

1, 가나아트센터, 서울

2014 코리안 뷰티: 두 개의 자연, 국립현대미술관, 서울

        사유로서의 형식: 드로잉의 재발견, 뮤지엄 산, 원주

白磁大壺, 빛을 그리다, 가나아트센터, 서울

2013 자이트가이스트, 국립현대미술관, 서울

글자, 그림이 되다, 포스코미술관, 서울

2012 아뜰리에 입주작가 보고전: 힐링캠프, 가나아트센터, 서울

2011 MoA Picks, 서울대학교미술관, 서울

오늘의 아시아 미술, 전북도립미술관, 전주

        장욱진 초상전, 장욱진미술관, 양주

2010 이코노 텍스트: 미술과 언어 사이, 제주도립미술관, 제주

정신으로서의 선, 그 힘, 이응노미술관, 대전

Korean Art Festival, 하버포드미술관, 필라델피아

2009 콜렉션전, 국립현대미술관, 과천

앙가쥬망전, 장욱진미술관, 양주

2008       가나아트 개관 25주년 기념전: 더 브릿지, 가나아트센터, 서울

 한국추상회화 1958-2008, 서울시립미술관, 서울

 아트인부산: 돌아와요 부산항에, 부산시립미술관, 부산

부산현대미술전, 부산박물관, 부산

2007 여백에 대한 사색, 가나아트센터, 부산

호흡, 서울시립미술관, 서울

언어적 형상, 형상적 언어, 서울시립미술관, 서울

2006 회화와 조각의 리얼리티, 경남도립미술관, 창원

2005 서울원로중진작가전, 서울시립미술관, 서울

20세기로의 여행: 모더니즘의 만남, 국립현대미술관, 과천

국립현대미술관 소장품 특별전, 경기도미술관, 안산

2004 금호미술관 개관 15주년 기념 초대전, 금호미술관, 서울

Collection Dous, 갤러리 매그, 파리

신소장품 2004, 국립현대미술관, 과천

2003 추상의 이해, 성곡미술관, 서울

백자와 현대회화의 조화, 가나아트센터, 서울

Best Star, Best Artist, 인사아트센터, 서울

2002 제 7회 아시아 국제미술전, 대전시립미술관, 대전

2000 한국현대미술전, 푸눈갤러리, 쿠웨이트

움직이는 미술관, 국립현대미술관, 과천

새천년 324, 서울시립미술관, 서울

1999 3인전, 현대화랑, 서울

한국미술의 자생성, 포스코 미술관, 서울

그림 속 문자, 가나아트센터, 서울

1998 대전시립미술관 개관기념 2부전: 2000 시대정신, 대전시립미술관, 대전

1997 광주비엔날레, 광주시립미술관, 광주

1996 아시아국제미술전, 마닐라미술관, 마닐라

한국현대미술의 모더니즘, 금호미술관, 서울

1995 한국 100개의 자화상, 서울미술관, 서울; 국립청주박물관, 청주

전통과 오늘의 작품, 선재미술관, 경주

개관전, J&J화랑, 로스앤젤레스

1994 서울국제현대미술제, 국립현대미술관, 과천

1993 한국의 이미지, 갤러리 다니엘 텀플롱, 파리

1992 한국현대미술전, 유고슬라비아 국립미술관, 유고슬라비아

1991 현대 한국미술전, 호암갤러리, 서울

1990 새로운 정신, 금호갤러리, 서울

1989 아시아현대미술전, 국립현대미술관, 과천; 후쿠오카미술관, 

후쿠오카; 요코하마 미술관, 요코하마

1988 국제충격미술제, 교토시립미술관, 교토

한국현대미술대전, 국립현대미술관, 과천

1986 한∙일 현대미술 교류전, 단카센터 갤러리, 나고야

1985 환태평양 미술전, 미술회관, 서울

앙가쥬망전, 미술회관, 서울

1984-85 동세대전, 관훈갤러리, 서울

1984 아시아 현대미술전, 도쿄도립미술관, 도쿄

1981-87 오늘의 작가, 관훈갤러리, 서울

1981 아시아 현대미술 비엔날레, 도쿄도립미술관, 도쿄

        ’81 드로잉대전, 국립현대미술관, 서울

1980 한국판화∙드로잉 대전, 국립현대미술관, 서울

수 상

1996 김수근문화상, 김수근문화재단

1968 신인예술상 은상, 문화공보부

주요 작품소장처

가나문화재단, 서울

국립현대미술관, 과천

매그재단, 생폴, 프랑스

부산시립미술관, 부산

삼성리움미술관, 서울

서울대학교미술관, 서울

서울시립미술관, 서울

아키라이케다재단, 도쿄

외교통상부, 서울

트리톤 재단, 로테르담

파리국립도서관, 파리

후쿠오카시립미술관, 후쿠오카