세계적인 화가 게르하르트 리히터는 “미술은 전혀 다르게 생각하는 방식 ,외관을 근본적으로 불충분한 것으로 인식하는 방식으로 그래서 미술은 우리에게 닫혀 있는 것 ,우리가 접근 할 수 없는 것에 다가가는 도구이며 방식이다.” 라고 정의 했다. 우리가 바라보는 모든 현실이나 표현하는 개념 정의는 그 어느 것도 온전하거나 완벽한 것은 없다. 그러기에 어떤 진실에 다다르기 위한 목적을 가진 유일한 방법이란 없다는 것이다. 리히터는 미술도 그러한 하나의 형식에 지나지 않는다고 분석한 것이다. 서양과 동양이란 각기 상이한 표현방법과 콘셉트에도 불구하고 권현진의 작업은 다분히 리히터적인 미술의 개념과 속성을 담고 있다. 우선 그의 작품은 우리에게 일상적인 평면회화에 길들여져 있는 그림에 관한 생각을 환기 시켜준다는 점에서 흥미롭다.
무엇보다 작가는 그리는 것에 대한 특별한 형식을 취하고 있다. 모든 이미지를 장인적으로 묘사하기 보다는 그릴 대상을 개념적으로 이해한 후 화면 위에 무한대의 이미지 즉 형상으로 펼쳐낸다는 것이다. 그가 추구하고 찾아내는 것은 개념과 대상은 무엇인가 ? 그는 예고시절부터 줄곧 자신이라는 존재에 깊은 관심을 가지며 주목했다. 어쩌면 많은 예술가나 철학자들이 스스로 묻고 답하듯이 그도 그림을 통해 자신을 찾고 싶어 한 것이다. 그것은 곧 인간이란 존재를 정의하고 스스로에 대한 깨달음을 원하는 인간의 본능에 포함되는 것이다. 누구나 자신의 존재와 정체성에 지속적인 의문을 품듯이, 작가도 자신의 정체성이 매우 유동적이며 정형화 되어 있지 않은 자유로운 존재라는 인식에 도달한 것 같다. 즉 어떤 존재도 단 하나의 이미지나 개념으로 정의 될 수 없으며 , 설령 그것이 있다 하더라도 그것조차도 유동적이고 가변적이라는 것이다.
작가는 이러한 사유를 거듭하며 인간이라는 존재의 끝없는 불확실성에 고뇌하면서 움직임 혹은 유동성의 이미지에 집중 한 듯 하다. 그것이 권현진 회화의 중심으로 여겨진다. 여기서 작가는 그림속에서 자신의 정체성과 존재를 끊임없이 물어나가는 형식을 취한다. 그가 추상회화에 접어들게 된 결정적인 계기이기도 하다. 그는 불투명한 자신의 내면을 돌아다보면서 그 유동적인 혼란의 정체성을 마치 리히터처럼 어떤 목표도, 체계도, 경향도, 양식도, 방향도 갖지 않고 나아간 것이다. 궁극적으로 그러한 사유를 넘어 그가 다다른것이 “색채로의 표현이자 기록”인 그의 지금의 언어가 된 것이다. 그의 작품들은 얼핏 보면 한없이 부드럽게 펼쳐진 바닷가의 모래언덕에 풍경 같은, 혹은 조용히 흐른 듯한 이미지, 혹은 자연스럽게 가득한 신비스런 문양들이 점층적으로 어울린 지도 풍경 같다. 이러한 과정 속에서 이루어진 그 이미지들을 그는 ‘Visual Poetry’시리즈라고 불렀다. 추상회화 속에 내면의 다양한 기억과 감성 또는 체험, 삶의 파편들이 은밀한 관계를 이루면서 화폭에 마침내 형성된 풍경들이다. 권현진이 만들어 내는 이 추상 언어의 대화체는 일견 칸딘스키의 발언처럼 정신적이고 철학적이며 관념적이다. 언제나 그는 이 혼란스럽고 유동적인 정체성의 단편들을 그는 가장 자연 그대로의 모습과 색채로 나타내고자 한다. 그 과정에서 자신의 존재에 ‘자화상’은 추상의 영역으로 숨어버리고 , 색의 어울림이 주는 물결 속 추상 이미지를 그는 관람객과 소통하고 나누기를 기다린다.
그에게 있어 ‘색채’란 얼핏 보면 사진과 추상의 경계를 넘나드는 분명하지 않은 일련의 비형상 시리즈야 말로 작가의 숨겨진 초상이다. 권현진은 그 신비스런 형태들이 만들어 내는 우연적인 효과에 붓질 보다는 시간의 흐름에서 얻어지는 비구상적 요소를 덧붙이며 풍요로운 이미지의 변주곡을 들려준다. 분명 그의 작품은 우리 시대에 유행하는 팝아트나 극사실의 회화에 휩쓸리지 않고 추상표현주의와 공유하며 자신의 정체성을 고집스럽게 이끌고 온 독창적인 작가로 분류된다. 뿐만 아니라 그가 평면회화의 차원에 그치지 않고 미디어인 영상미술과 입체조각으로 그의 표현영역을 확장 시키며 아우르기를 계속 한다는 것이다. 이러한 작업태도는 장르라는 고정된 형식이나 틀에 머무르기 보다 현대적 감각과 표출방식으로 또 다른 표현세계를 꿈꾸는 용감한 도전으로 평가된다. 그의 환상적이고 변화무쌍한 이미지 영상들은 <닥스 DAKS >그룹의 패션과 콜라보레이션을 거치면서 새롭게 평가되고 있다. 특히 사진을 편집한 몽타쥬처럼 보이면서 개인적 경험과 관념에 물들지 않는 독특한 이미지의 변형으로 테크놀로지의 컨템포러리한 표현에 도달하고 있다. 작가는 자신의 정체성을 회화라는 울타리로 규정되거나 묶여지는 것을 거부하면서 자연스럽게 혹은 우연으로 만들어진 감각에 조형적인 현실을 부여하는 언어가 예술임을 믿고 있다.
권현진은 물결치는 파도가 만들어 놓은 그 추상연작에서 추상표현주의나 앵포르멜을 닮은 무한한 미니멀의 풍경 속에 그가 진정 원하고 있는 자신의 참다운 이미지에 충실함을 가지고 있음이 분명하다. 그 작업하는 순간 순간 그는 깊은 회화의 우연성과 자연적 미에 극적으로 화해하는 시간들을 포착하며 유희한다. 그가 작업과정에서 색채 표현에 예민하게 집중하는 필연성도 그 색들이 만들어내는 순간의 포착과 쾌락,유희 때문이다. 그는 말한다. “색이 생각을 변화시키고, 행동을 바꾸고, 반응을 일으키고, 의사소통에 있어 강력한 역할을 한다”고,실제 그의 작품에는 우리가 떠올릴 수 있는 구체적인 메시지나 암시는 없다. 또한 연상되는 것도 있지만 그는 그 불확실한 것들을 통해 본질을 표출하고 싶어하는 강렬한 열망을 가지고 있다. 그래서 그의 진정한 내면의 자화상은 자연스럽게 쌓여진 바닷가 물과 만나 헤어지는 모래풍경 속에 그의 정체성이 드러난다. 그래서 <비주얼 포에트리> 라는 시적 이미지의 버드 뷰적인 풍경 분위기에 침잠되고 평온함을 구하려는 그의 정체성이 엿보인다.
그것은 마치 거대한 클래식처럼 장중하며 동시에 '리듬’감 있는 발라드풍처럼 달콤하며 작품에 발견되는 음악적 리듬은 음악에 생명을 불어 넣는 요소보다 흐름에 장단을 맞춰주는 절제된 감정의 질서에 더 가깝다. 그는 자연과 예술은 물론 인간이 갖는 리듬에 유독하게 예민하게 반응한다. 선과 색의 조화에서 생동감 넘치는 리듬에서 그의 그림이 자연스럽지만 우연적 효과가 지배적으로 보이는 것들도 그 이미지가 하늘에서 내려다 본 듯한 버드뷰적인 경치로 해석되기 때문이다. 일관되게 그는 풍경화가나 극사실주의 화가들이 보여주는 붓끝의 기교가 아닌 가슴에서 배어나는 내면의 울림으로 추상풍경의 이미지를 도출해낸다. 캔버스 천위에 추상적 에스키스를 투사해 그리기 시작해, 생생한 색상으로 이뤄진 권현진의 화법은 아주 이제 독자적 언어로 정착하고 있다. 물질성, 밀도, 질감, 그리고 유동성 등 페인팅의 고유한 특질들을 간직한 채, 엄청난 속도로 이 추상적 회화 공간을 채워가는 권현진의 작업들이 마침내 영상 작업으로 이어진다는 것은 분명 흥미로운 부분이다. 그의 영상미디어의 출발은 당연히 수작업의 드로잉으로 부터 시작하여 회화 작품으로 옮겨가면서 회화의 새로운 번안을 통하여 미디어라는 테크놀로지 속에 그리기가 결합하는 것에서 전개 된다.
작가는 “회화작업은 캔버스 위에 물감을 떨어뜨리고 예술적 개념들을 명확히 하려 노력한 반면, 영상 작품들은 끊임없이 변하는 수많은 프레임들 속에서 새로운 세계를 구축한다.”고 영상으로의 진입이유를 명백하게 밝힌 바 있다.
움직이는 액체나 스테인드글라스에서 보이는 색채, 끊임없이 움직이는 듯한 환영을 보여주고 싶어 하는 작가의 의지는 그가 분명한 비전과 의지를 가지고 작업에 매진 할것이라는 열정을 보증 해주는 대목이다.
권현진은 기본적으로 생활 속의 일상성을 소박하게 제시하면서 동시에 메마른 감정으로 이 시대의 각박한 현실을 살고 있는 사람들 감정을 정화 시키는데 궁극적인 목적을 두고 있다. 아마도 이것은 예술이 이 시대에 할 수 있는 유일한 역할이자 진실에 도달하려는 예술의 가치이다 .이러한 진실을 바라보며 함께 공유하려는 시각예술을 향한 발걸음, 이 필요성이야말로 권현진이 초기부터 지금까지 그 자신을 향한 질문을 멈추지 않는 큰 이유이다. 나는 그의 작품 속에서 뜨거운 집념과 예술의 새로움을 향한 우직함을 발견한다. 이것이 내가 그의 평면작업과 입체와 영상예술에 기대를 거는 가장 큰 이유이다.
김종근 
