권현진 / 자아를 찾아서 - 리듬 속 추상화
김종근
독일의 대표적 미술가인 게르하르트 리히터는 “미술은 전혀 다르게 생각하는 방식, 외관을 근본적으로 불충분한 것으로 인식하는 방식이다. 그 점에서 미술은 우리에게 닫혀 있는 것, 우리가 접근 할 수 없는 것에 다가가는 도구이며 방식이다.” 라고 정의 했다.
우리가 바라보는 모든 현실이나 표현하는 개념 정의는 그 어느 것도 온전하거나 완벽한 것은 없다. 그러기에 어떤 진실에 다다르기 위한 목적을 가진 유일한 방법이란 없다. 리히터는 아마도 미술도 그러한 하나의 형식에 지나지 않는다고 분석한 것으로 보인다.
서양과 동양이란 각기 상이한 표현방법과 콘셉트에도 불구하고 권현진의 작업은 리히터적인 속성을 내재하고 있다. 우선적으로 그의 작품은 우리에게 일상적인 회화에 길들여져 있는 그림에 관한 분위기를 환기 시켜준다는 점에서 흥미롭다.
무엇보다 작가는 그리는 것에 대한 특별한 형식을 취하고 있다. 모든 이미지를 장인적으로 묘사하기 보다는 그릴 대상을 개념적으로 이해한 후 화면 위에 무한대의 형상으로 펼쳐낸다는 것이다. 그가 추구하고 찾아내는 것은 개념과 대상은 무엇인가? 그는 예고시절부터 줄곧 자신이라는 존재에 깊은 관심을 가지며 주목했다. 어쩌면 많은 예술가나 철학자들이 스스로 묻고 답하듯이 그도 그림을 통해 자신을 찾고 싶어 한 것이다. 그것은 곧 인간이란 존재를 정의하고 스스로에 대한 깨달음을 원하는 인간의 본능에 포함되는 것인지도 모른다.누구나 자신의 정체성에 지속적인 의문을 품듯이 그도 자신의 정체성이 매우 유동적이며 정형화 되어 있지 않은 자유로운 대상이라는 인식에 접근했다. 즉 어떤 존재도 단 하나의 이미지나 개념으로 정의 될 수 없으며, 설령 그것이 있다하더라도 그것조차도 가변적이라는 것이다.
작가는 이러한 사유를 거듭하며 인간이라는 존재의 끝없는 불확실성에 고뇌한 듯 하다. 아마도 그것은 권현진 그림의 중심이 된 것이 아닌가 여겨진다. 여기서 작가는 글 미속에서 자신의 정체성과 존재를 끊임없이 물어나간다. 그가 추상회화에 접어들게 된 결정적인 계기이기도 하다. 그는 불투명한 자신의 내면을 돌아다보면서 그 유동적인 혼란의 정체성을 마치 리히터처럼 어떤 목표도, 체계도, 경향도, 양식도, 방향도 갖지 않았다. 궁극적으로 그러한 사유를 넘어 그가 다다른것이 “색채로의 표현이자 기록”인 그의 지금의 언어가 된 것이다. 그의 작품들은 얼핏 보면 한없이 부드럽게 펼쳐진 바닷가의 모래언덕 풍경 같은, 조용히 흐른 듯 한 이미지, 혹은 자연스럽게 가득한 신비스런 문양들이 점층적으로 어울린 지도 풍경 같다. 이러한 과정 속에서 이루어진 그 이미지들을 그는 ‘Visual Poetry’시리즈라고 불렀다. 추상회화 속에 내면의 다양한 기억과 감성 또는 체험, 삶의 파편들이 은밀한 관계를 이루면서 화폭에 형성된 풍경들이다.
권현진이 만들어 내는 이 추상 언어의 대화체는 일견 칸딘스키의 발언처럼 정신적이고 철학적이며 관념적이다. 언제나 그는 이 혼란스럽고 유동적인 정체성의 단편들을 그는 가장 자연 그대로의 모습과 색채로 나타내고자 한다. 그 과정에서 자신의 존재에 ‘자화상’은 추상의 영역으로 숨어버리고 , 색의 어울림이 주는 물결 속 추상 이미지를 그는 관람객이 함께 와서 소통하고 나누기를 기다린다. 그에게 있어 ‘색채’란 자신의 인생이 아닐까? 얼핏 보면 사진과 추상의 경계를 넘나드는 분명하지 않은 일련의 비형상 시리즈야 말로 작가의 숨겨진 초상이다.
권현진은 그 신비스런 형태들이 만들어 내는 우연적인 효과에 붓질 보다는 시간의 흐름에서 얻어지는 비구상적 요소를 덧붙이며 풍요로운 이미지의 변주곡을 들려준다. 분명 그의 작품은 우리 시대에 유행하는 팝아트나 극사실의 회화에 휩쓸리지 않고 추상표현주의와 공유하며 자신의 정체성을 고집스럽게 이끌고 온 별스런 작가군으로 분류된다. 뿐만아니라 그가 다른 작가들과 구별되는 것은, 그가 회화의 차원에 그치지 않고 영상미술에 지평으로 미술언어의 영토를 확장 시키며 아우르기를 계속한다는 점이다. 이러한 작업태도는 장르라는 고정된 형식이나 틀에 머무르기 보다 현대적 감각과 표출방식으로 또 다른 표현을 꿈꾸는 용감한 도전이거나 욕심 그 둘 중의 하나이다. 그의 변화무쌍한 영상들은 사진을 편집한 몽타쥬처럼 보이지만 개인적 경험과 관념에 물들지 않는 독특한 이미지로 욕심의 단계가 아닌 테크놀로지의 현대적 표현에 닿아있다. 작가는 자신의 정체성을 회화라는 울타리로 규정되거나 묶여지는 것을 거부하며 개척하겠다는 것이다.
자연스럽게 혹은 우연으로 만들어진 회화란 감각에 조형적인 현실을 부여하는 말없는 언어가 예술이라고 믿고 있기 때문이다. 그것은 또한 “화가란 형태와 색채와 기호로 인간에게 인간이 느끼는 감정의 이미지를 되돌려 주는 것으로 이해” 하는 맥락과도 상통한다. 권현진은 물결치는 파도가 만들어 놓은 그 추상연작에서 추상표현주의나 앵포르멜을 닮은 무한한 미니멀의 풍경 속에 그가 진정 원하고 있는 마지막 자신의 참다운 이상향을 놓아두고 있음이 분명하다. 그 진행하는 순간순간 그는 깊은 회화의 우연성과 자연적 미에 극적으로 화해하는 시간들을 포착하고 유희한다. 그가 작업과정에서 색채 표현에 예민하게 집중하는 필연성도 그 색들이 만들어내는 순간의 쾌락 때문이다. 그는 말한다. “색이 생각을 변화시키고, 행동을 바꾸고, 반응을 일으키고, 의사소통에 있어 강력한 역할을 한다” 고 , 실제 그의 작품에는 우리가 떠올릴 수 있는 구체적인 메시지나 암시는 없다. 또한 연상되는 어떤 것도 없지만 그는 그 불확실한 것들을 통해 본질을 표출하고 싶어하는 강한 열망을 가지고 있다. 그래서 그의 진정한 자화상은 자연스럽게 쌓여진 바닷가 물과 만나 헤어지는 모래풍경 속에 그의 정체성은 위장한 채 숨어 있다. 그래서 <비주얼 포에트리> 라는 시적 이미지의 항공 풍경의 분위기의 있는 회화는 쉬운 듯 침잠되고 평온하다. 그것은 마치 거대한 클래식처럼 장중하며 동시에 리듬’감 있는 발라드풍처럼 달콤하다. 물론 그의 작품에 음악적 리듬은 음악에 생명을 불어 넣는 요소보다는 흐름에 장단을 맞춰주는 절제된 감정 속의 단아한 질서에 더 가깝다.
그는 자연과 예술은 물론 인간이 갖는 리듬에 여전히 예민하다, 선과 색의 조화에서 생동감 넘치는 리듬, 무엇보다 그의 그림이 자연스럽지만 우연적 효과가 지배적으로 보이는 것들도 사실은 그 이미지가 하늘에서 내려다 본 듯한 경치로 보여지기 때문이다. 일관되게 그는 풍경화가나 극사실주의 화가들이 보여주는 붓끝의 기교가 아닌 가슴에서 배어나는 내면의 울림으로 추상풍경의 이미지를 도출해낸다. 캔버스 천위에 추상적 에스키스를 투사해 그리기 시작해, 생생한 색상으로 이뤄진 권현진의 화법은 아주 신선하지는 않지만 독자적 언어로 정착하고 있다. 물질성, 밀도, 질감, 그리고 유동성 등 페인팅의 고유한 특질들을 간직한 채, 엄청난 속도로 이 추상적 회화 공간을 채워가는 권현진의 이 모든 작업들이 영상 작업으로 이어진다는 것은 분명 흥미로운 부분이 있다. 그의 영상미디어의 출발은 당연히 수작업의 드로잉으로 부터 시작하여 회화 작품으로 옮겨가면서 회화의 새로운 번안을 통하여 미디어라는 테크놀로지 속에 그리기가 결합하는 것에서 전개 된다.
거듭 작가는 “회화작업은 캔버스 위에 물감을 떨어뜨리고 예술적 개념들을 명확히 하려 노력한 반면, 영상 작품들은 끊임없이 변하는 수많은 프레임들 속에서 새로운 세계를 구축한다.”고 영상으로의 진입이유를 명백하게 밝힌바 있다. 움직이는 액체나 스테인드글라스에서 보이는 색채, 끊임없이 움직이는 듯한 환영을 보여주고 싶어 하는 작가의 의지는 그가 분명한 비전과 의지를 가지고 작업에 매진 할것이라는 열정을 보증 해주는 대목이다.
권현진은 기본적으로 생활 속의 일상성을 소박하게 제시하면서 동시에 메마른 감정으로 이 시대의 각박한 현실을 살고 있는 사람들 감정을 정화 시키고자 한다. 예술이 이 시대에 할 수 있는 유일한 역할이자 진실에 도달하려는 예술의 가치이다. 이러한 진실을 바라보며 함께 공유하려는 시각예술을 향한 발걸음, 이 필요성이야말로 권현진이 초기부터 지금까지 그 자신을 향한 질문을 멈추지 않는 큰 이유이다. 나는 그의 작품 속에서 뜨거운 집념과 예술의 새로움을 향한 우직함을 발견한다. 내가 그의 평면 작업과 영상예술에 기대를 걸고 관심을 늦추지 않는 필연적인 사연이다.